U+问答 | 把“赚钱”放首位,永远别想创造出传世佳作,对么?

发布时间: 2019-06-04 10:00 
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本周问题一


U+问答 | 把“赚钱”放首位永远创作不出“传世佳作”,对么?


诗人海子说:面朝大海,春暖花开


某珠宝品牌说:钻石恒久远,一颗永流传

大家好,我是优画网主编。优画网,一家有品位、懂生活的艺术电商。我们的口号是“简单艺术,简单生活”,我们的愿景是“让艺术创造价值”。很高兴回答这个有趣的问题。


我认为,是否把赚钱放到首位,和是否能够创造出传世佳作之间没有必然的关联。是否能够创作出传世佳作,主要取决于艺术家是否具有炉火纯青的技艺、精益求精的匠心、天马行空的想象力、细致入微的洞察力、妙手偶得的灵感、高尚美好的人格等等。满足了这些条件的艺术家,就很有可能创造出传世佳作。当然,如果他把赚钱放在首位作为第一目标,他就必须考虑受众的喜好和需求,这有可能会为他的创作带来一定的束缚。但是伟大的艺术家往往能够在客户需求和艺术价值之间做到微妙的平衡。



比如我们都知道,欧洲文艺复兴时期的绘画瑰宝《蒙娜丽莎》其实是一幅订制画,作为一件私人订制的艺术品,它被创作出来首要的目的就是赚钱。然而这并没有妨碍它成为一件传世佳作,被写进艺术史的教材。


再比如,迪士尼的许多动画电影,它们都是资本主义市场经济的产物,它们是按照一套成熟而完整的商业模式被打造出来的产品。但尽管如此,它们在艺术上依然制作精良、形象生动丰满、故事情节扣人心弦,它们中的许多部作品都堪称这个时代的传世佳作。


《寻梦环游记》剧照 图片来源于网络


由此可见,以赚钱为目的其实是市场经济发展之后,特定时代的大环境对艺术家提出的特定要求。这个要求对于艺术家来说或许是戴着镣铐跳舞,但它也同时为艺术家带来了有利条件:一切以赚钱为目的的艺术作品,总是满足了他人的需求,受到人们的欣赏和喜爱,更好地显现其社会价值。在这个条件下,艺术作品或许会失去一部分阳春白雪的高贵属性,它变得更加通俗。但与此同时它又变得更加有市场,更容易被人们接纳。


时代的巨变使普通人欣赏艺术的权力和自由日益崛起,艺术史不再是精英学者的话语霸权。赚钱这个目的一旦和艺术家本身优秀的素质以及恰当的灵感结合起来,很有可能会诞生新形势下的现象级的传世佳作,而在广阔的受众范围当中口口相传,也就是说,它们被写入了事实意义上的另一部艺术史。


当然了,在艺术史上相当长的一个阶段,艺术是不以赚钱为首要目的的。不以赚钱为首要目的的艺术创作,往往能够孕育出充满艺术家独特自我风格和自我面貌的传世佳作。这类作品并不是为了取悦受众而被创作,它们甚至也不考虑自身的品位是否被受众所喜爱,它们纯粹忠实于自我和灵感,虔诚而严肃地表达着崇高的真善美的精神。这类作品中也涌现出一部分传世佳作,比如中国古代的文人画,大凡都是为了寄情山水、抒发自我情怀而作,并不是为了赚钱。这部分艺术作品,逸笔草草,灵动传神,充满了书法的韵律,抒发出文人的雅兴,因为“自我”而传世流芳,因为“非功利”而远离世俗,受到后世人们的尊敬和欣赏。它们当中的传世佳作,和为了赚钱而创造出来的传世佳作,从性质上来看是不一样的。前者受众更少,但忠于自我;后者受众更多,但牺牲了一部分自我。这就好比经典著作和畅销书籍的区分,二者看上去是有差别,但其实只要艺术水准足够高,灵感的火花足够闪耀,就都有可能成为传世佳作。


总之,成为传世佳作不是那么容易的,但是和赚钱这个目的并不冲突。是否能成为传世佳作主要看艺术水准、造诣是否足够高,在艺术上是否能够创造出源于生活、高于生活,令人仰望或者感到足够亲切却又保留有一定新奇感和距离感的作品。如果只顾赚钱而迎合大众审美趣味当中最为媚俗的部分,那么必然创作不出传世佳作。但是在这个时代,如果完全不以赚钱为目的,不考虑受众的审美和需求,自娱自乐,自说自话,也比较难以创作出传世佳作。也就是说,要想创造出传世佳作,在当下的时代,即使是非功利性的创作,也要向功利性的创作借鉴一点,那就是适度考虑受众的喜好和需求,这样才有更大的概率成功。


当然,我们也不排除天才能够在不假思索的情况下创作出传世佳作,但这种不假思索的表象背后必然是生活阅历的沉淀、积累以及对生活的感悟和思考,而并不是一座漂浮在虚无缥缈的浮华梦境中的空中楼阁。


最后,我想用两段文字来作总结。海子的“面朝大海,春暖花开”是八个人人都认识的字,它们看上去非常平凡,组合起来却温暖而隽永,营造出一个质朴而浪漫的意境。这句诗被创作出来并不是以赚钱为目的,它是不可复制的。而戴比尔斯出于赚钱目的设计出的广告语“钻石恒久远,一颗永流传”则凭借其浪漫与隽永的气息,成为风靡大街小巷的经典文案。尽管目的、风格与受众不同,但两句文案同样可以被称为文案界的传世佳作。由此可见,不论是否以赚钱为目的,都有可能创造出传世佳作。



本周问题二



学艺术如何打破固化思维?


艺术家马塞尔•杜尚说过“艺术要么是剽窃,要么是革命”。

所谓的固化思维,也就是一定程度上的“剽窃”。

艺术上的“剽窃”首先要与“恶意抄袭”区别开来。“剽窃”是借鉴他人艺术作品中的主题、灵感、风格、模式等元素,来植入自己的创作当中。


临摹米开朗基罗《创世纪》 图片来源于网络


而“恶意抄袭”则是植入或搬用的成分太多,沦为完全意义上的山寨和复制。


一定程度上的“剽窃”可以看做是向经典致敬的行为,并不会被人们所唾弃。比如艺术家喻红女士创作巨幅油画,向米开朗基罗的《创世纪》致敬,她的创作成功地再创造了经典,延续了经典的生命同时又彰显出独特的思想。但从另一方面来看,喻红女士的艺术创作又体现了一定程度上的思维固化。与那些富有原创力的、找寻到了属于自己独特的艺术语言的艺术家相比,她的作品虽然颇具学院派气质,但却在一定程度上缺乏新意。


那么,思维固化是怎么形成的呢?我个人认为,这与我们的艺术教育有关。从小,我们受到的艺术教育,并不注重创造力和想象力的发挥,而是以模仿为成功。我们的少儿美术教育尤其如此。一群小朋友在最纯真的、最富有想象力和创造力的年纪,却被老师告知,怎样画才是正确的,小朋友们必须模仿老师的样子,画出一模一样的图画,才被认为是做得很好。


卡通青蛙 图片来源于网络


笔者曾经深入一家国际幼儿园观摩外教的美术课,课堂的主题是让小朋友们制作一只3D立体青蛙,并且为它画上美丽的花纹。外教老师并没有告诉小朋友们应该把青蛙做成什么样、画成什么样,反而鼓励小朋友们自己发挥创造力,去制作一只自己想象中的青蛙。结果,小朋友们制作出来的青蛙千奇百怪,和现实生活中的正确的青蛙大不一样。小朋友在青蛙身体上的涂鸦也形态各异。外教老师非但没有用正确和错误作为标准来评判小朋友们的创作,反而鼓励每一个小朋友,让小朋友们大胆地说出自己如此构思的原因。有一个小朋友在青蛙身上的涂鸦画得很潦草,外教老师没有批评他,反而夸奖她像一个小小毕加索。还有一个小朋友制作的青蛙只有一个眼睛,外教老师询问他另一只眼睛到哪里去了,小朋友说青蛙到月球去旅行,把另一只眼睛丢在了外太空!多么诗意盎然的回答呀!外教老师听到了之后流露出惊叹的表情,连连称赞这个小朋友富有想象力和创意。一堂普普通通的美术课,便体现出中外教育的差异。



我们说,学习艺术的过程,一定是先模仿后创造的过程。没有一定数量的积累和模仿,就无法形成质的飞跃,激发出真正的创造力。然而,我们的艺术教育工作者和全社会都应该思考,我们在传授知识的同时,所采用的思维模式和对孩子创作的评判标准是不是错了。艺术真正的目的是解放思想,完成创造。所谓的创造,就是打破思维固化,尽可能降低挪用、模仿、植入的程度,寻求富有个性的艺术语言,创造搭建合适的结构,来传达信息、释放美感。这个过程并不是照本宣科的,而是千人千面的。


当然,我们也反对刻意地为了标新立异而标新立异,那样将使得艺术的本性沦丧。艺术是一条发现自我的道路,我们追寻艺术的风向标,也就是追寻自我心灵的方向。艺术是一条去成为自我的道路,我们不断地探索自己是谁,自己的风格是怎样的,最终呈现给世界的每一件艺术品,都是灵肉合一的,自我精神的延伸。我们必须亲力亲为地去汲取灵感,去传递信息,去搭建结构,去选择表达方式,去释放美感的因子,勇敢地打破前人创作的藩篱,永远铭记艺术即为创造的实质,才能真正摆脱思维固化,创造出大千世界般色彩斑斓的艺术。而游历更广阔的世界,经历更丰富的人生,聆听更多样化的声音,思考更深刻的问题,这些对于我们摆脱思维固化、搞好艺术创作都是大有裨益的举措。


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